遇见未来：2000年以来的中国新绘画

艺术观察 | 佚名

　　在当下不断更迭变迁的社会环境中，信息、网络和图像时代的全面到来，在给全球带来新的视觉挑战同时，也给2000年以来的中国新绘画带来了新的艺术创作资源。越来越多艺术家们开始以更加多元化创作的姿态介入当代生活，他们的作品表达了新一代较之以往迥然不同的生存状态，呈现了一种虚无主义与理想主义并置的精神二元性；同时，也提供了一种更自由和更富有图像自在性的视觉图示。在他们的世界里，界限是无意义的，唯有自由的心灵方能激发创作。

　　自2014年春拍“转向内在：2000年以来的中国新绘画”专场以来，中国嘉德一直保持着对中国绘画新力量的持续关注，而对绘画“新旧”的判断也不仅在于年龄，还在于个体能超越主流叙事，专注锤炼个人化艺术语言体系，精准表达自我与时代互动的前沿趣味。本季经严谨筛选中国嘉德再次聚焦时下极具发展潜力的艺术力量，多方位、多角度地展现中国当代艺术新力量的流变，并在全球化的视野下探索艺术的当代属性与无限可能。

　　Lot 1745

　　仇晓飞记忆

　　2004年

　　布面油画

　　50×70 cm

　　发表：

　　《仇晓飞》，Loft画廊，2007年，图版第1页

　　展出：

　　“仇晓飞近作展”，2007年3月24日至4月28日，Loft画廊，巴黎，法国

　　来源：

　　法国私人收藏

　　2002年从中央美术学院油画系毕业后，仇晓飞开始从家庭相册里面寻找绘画的灵感，以一种忧郁又克制的笔调还原那些已然定格于“昨天”的图像，形成了一种跟自己生命体验相关的“内在真实”。创作于2004年的《记忆》正是仇晓飞这一早期风格成型时的佳作，曾参加2007年艺术家于巴黎的首次个展，画中对个人和集体记忆的“修正”，以及对“真实”的质疑，至今仍在其创作中不断延续。对仇晓飞来说，重绘这个场景，重要的并不是如实记录，而是在他在面对照片里的场景，包括对照片本身时所怀的感情，这种感情才是他去画照片的重点，而非他要用绘画来代替照片。

　　Lot 1746

　　宋琨蛊惑女

　　2013年

　　布面油画

　　45×60 cm

　　宋琨是当下中国70后艺术家的代表，也是N12艺术团体的发起人之一。她的作品气质鲜明，既有学院派的古典与优雅，又体现出流行亚文化、宗教、时尚的神秘感。

　　2012年UCCA的个展“千深之吻”结束后，一种抽离于日常并与时代相关的混杂与焦虑感开始出现在宋琨的作品中。完成于2013年的《蛊惑女》便集中体现出这一时期作品的变化：画中女伶簪花披纱、耳悬长坠、情态古典优雅，但其双眸被一幅现代墨镜所遮蔽，镜片中映射出灿烂烟花盛放的喧哗。宋琨的艺术语言逐渐由单一走向多元，通过对人物的多元化塑造，在巧妙构思中表达自己对于传统文化的另类解读。

　　Lot 1747

　　宋琨宝藏天女

　　2015年

　　布面油画，水晶树脂，LED零件，玩偶树脂眼

　　220×140 cm

　　发表：

　　《宋琨：阿修罗净界》，北京，蜂巢当代艺术中心，2015年，第32页

　　展出：

　　中国当代艺术邀请展，2021年10月1日至10月17日，宋庄美术馆，北京

　　“绘画：宏”，2020年12月18日至2021年1月15日，广东美术馆，广州

　　“藏锋敛锐——具象绘画群展”，2019年7月18日至9月8日，偏锋新艺术空间，北京

　　“一次别离”，2017年11月25日至12月31日，杨画廊，北京

　　“阿修罗净界”，2015年12月31日至2016年3月2日，蜂巢当代艺术中心，北京

　　2015年的《宝藏天女》是宋琨同年重要个展“阿修罗净界”中的代表作，标志着艺术家在个人脉络上的更进一步，以及直面欲望、灵魂和信仰这些终极拷问的表达。画中人物形象源自艺术家身边的朋友，宋琨用标志性的笔法抽离了繁复的色彩，将画面精简为一片仿佛透明却又透出微妙色彩的灰白色域，并用了水晶树脂，LED零件等工业现成品，将潜意识与宗教、赛博亚文化在此达成了精神上的三位一体。宋琨借用笔下所造“净界”，对我们身处的现实世界进行个性化的提炼，从而让绘画获得一种别样的叙事能量。也是在这件《宝藏天女》后，宋琨继续在“泛灵净界”系列中深入自己对于女性身体、潜意识与想象力边界的探索。

　　Lot 1748

　　韦嘉幽明微岸II

　　2011 年

　　布面丙烯

　　120×90 cm。

　　发表：

　　《幽明微岸》，Blue Kingfisher Limited，2011年，第20页至第21页

　　展出：

　　“幽明微岸—韦嘉个展”，2011年4月18至5月18日，星空间，北京

　　2010年，韦嘉从早期“青春残酷”的叙事中抽离，进入对油画本体更深入的探索。《幽明微岸II》正是此风格转型时的代表，曾作为其2011年个展“幽明微岸”的海报呈现。画面指向了一个无法指明的幽闭空间，介于男童与男人、男性与女性的形象来呈现个人在“社会化”与“非社会化”边缘之间茫然无措的状态。《幽明微岸II》标志着艺术家从青春残酷的面貌中脱离出来，转向探索内在精神层面的关键节点。至此，韦嘉通过古典主义的语言系统，更新了自我的艺术表达，完成了其媒介转型后探寻内心真实情感的进阶之路。

　　Lot 1749

　　屠宏涛树的肖像

　　2012年至2013年

　　布面油画

　　210×100 cm

　　发表：

　　《屠宏涛心远忘言》，蜂巢当代艺术中心，2013年，第56页至第57页

　　展出：

　　“心远忘言—屠宏涛个展”，2013年8月3日至9月2日，蜂巢当代艺术中心，北京

　　2008年，屠宏涛从此前对身体性的表达引入对都市欲望的批判脱离，逐渐步入了“植物”与“风景”系列。创作于2012年的《树的肖像》正是屠宏涛成功转型之后的典范，是其整个植物系列中罕有的以单棵树木为创作对象的作品，并将他精湛的造型能力与抽象技法，以及对苏轼、赵孟頫等古代人文画家的致敬完整展现出来。正如策展人妮玛拉姆所言，（屠宏涛）“选择以一种文雅的退避和观望来应对世界的复杂，希望在原始的野性和勃发的力量中保存传统的美感。”

　　Lot 1558

　　屠宏涛三台山情侣

　　1998年

　　布面油画

　　158×80 cm

　　《三台山情人》是屠宏涛研究生时期的作品，并借此系列荣获当年台湾李仲生基金会优秀奖。画面展现了艺术家至今以来创作中的诸多特点，如对学院教育的反抗，大色块去改变视觉的表达等等。似荒唐、似陌生化的场景里，流露出艺术家对都市人现实生活的关注，以及对都市人格的深度心理描写。

　　Lot 1750

　　黄宇兴临河天文台

　　2016年

　　布面油画

　　125×200 cm

　　《临河天文台》创作于2016年，是黄宇兴创作脉络中承前启后的作品。画面丰富的细节和层次经由层层轻薄色彩反复叠加而成，透明的河水与天文台交织成弥漫着魔幻感的诗意空间，在色彩的排比堆积中爆发出十足的张力。相比“河流”系列其他作品，《临河天文台》开创性地融入了建筑物，用造境的方式，将观众带入到更深远的思绪中：如果说河流是我们低头可触的时间载体，那么艺术家虚构的临河天文台则象征了对宇宙的好奇心，黄宇兴将无限延伸的时间和空间交汇在一个画面中，一幅浩渺无垠而瑰丽绚烂的画卷也由此徐徐展开。

　　Lot 1560

　　黄宇兴当初

　　2002年

　　布面油画

　　120×160 cm

　　发表：

　　《盛夏的果实》，索卡艺术中心，北京，2002年，图版

　　《对话•100年•对画》，索卡艺术中心，北京，2002年，图版

　　展出：

　　“盛夏的果实”，2002年，索卡艺术中心，北京

　　“对话•100年•对画”，2002年，索卡艺术中心，北京

　　“奇遇—黄宇兴个展”，2003年，索卡艺术中心，北京

　　从美院毕业后，黄宇兴一直努力在当时的艺术潮流中为自己寻找落脚点，风景，建筑等都是那时他画中最常出现的因素。2002年的《当初》是此一时期自然明亮画风的代表作品，画面以星光灿烂的蓝黑色天空为背景，混凝土式的建筑、钢铁形象化的直爪与钩子、近处的农田等，都表现出艺术家鲜明的思绪。他用新鲜的视觉态度结构人文化的风景，却冷静的保持着观察的距离，让心的风景在画面中迸发活力，这一创作理念一直延续至今，并不断产生新的回响。

　　Lot 1751

　　由金寻找别处的静谧

　　2017 年

　　布面油画

　　150×200 cm。

　　由金将具象与抽象的块面交织并置于同一图像平面中，从而展示复杂空间与时间特性的纠缠，重新诠释了“被拓展的空间性”。《寻找别处的静谧》把繁复的现实与幻想中的心灵栖息交迭着呈现在同一画面上，如此混乱和戏剧冲突的空间呈现，映射了艺术家对于现实生活的强烈关注与反思，也似是对于人类心理状态的审查，更是对人文关怀的启示录。

　　Lot 1752

　　赵赵星空

　　2018年

　　布面油画

　　201×161 cm

　　展出：

　　“绿色：赵赵”，2019年12月21日至2020年2月09日，松美术馆，北京

　　《星空》是赵赵2018年完成的力作，并于次年于松美术馆的个展“绿色”中呈现。艺术家将枪击玻璃形成的精微裂纹经过极其细腻的笔触丝毫不差地再现于画布上，宛如星空一颗颗行星的爆裂，在宇宙中激荡阵阵微波，但其背后却隐藏着的一次次人为暴力的叠加。玻璃被击碎发生在一瞬间，但星空的画面描绘则是一个漫长的创作过程。对赵赵而言，“绘画里没有极端，也没有温和，更多是笔触。对我来说，绘画让我回到本质，它是我原始的情感和动力。”

　　Lot 1762

　　李晖轮回

　　2007年

　　激光烟雾金属布装置五版之一

　　200×110×500 cm

　　发表：

　　《找自己-中国新艺术菜单》，星空间、东八时区，北京，2009年，第85页

　　《机械的仪式-李晖》，余德耀基金会、东八时区，雅加达、香港，2010年，第113页至第114页

　　《不确定的真相-李晖》，台北当代艺术馆，台北，2011年8月，第54页至第65页

　　《Li Hui》，汉杰·坎茨出版社，奥斯特菲尔登，2013年10月31日

　　展出：

　　“第六届深圳当代艺术展：透视的景观”，2007年12月16日至2008年5月20日，何香凝美术馆，深圳（非同一版数）

　　“灭渡 - 李晖个展”，2008年，外滩18号创意中心，上海（非同一版数）

　　“开启与扩张 - 第5届首尔国际媒体艺术双年展，2008年9月12日至11月5日，首尔市立美术馆，首尔（非同一版数）

　　《“多姆斯收藏精选” - 往返：北京- 纽约现在》，2010年5月30日至7月4日，尤伦斯当代艺术中心，北京（非同一版数）

　　《谁害怕红色，琥珀和绿色？》，2010年7月17日至10月24日，荷兰艾恩德霍芬光艺术美术馆，艾恩德霍芬（非同一版数）

　　“机械的仪式—李晖”，2010年8月1日至10月1日，余德耀美术馆，雅加达（非同一版数）

　　“不确定的真相—李晖”，2011年4月30日至6月26日，台北当代艺术馆，台北（非同一版数）

　　在李晖众多令人印象深刻的激光装置中，《轮回》无疑是最具觉冲击力的经典之一。该作主体为一张床榻，血红的镭射光线从天花板倾泻而下，洒下密集的激光，将整个作品笼罩在一片红光中。不时喷出的烟雾缭绕在镭射光线周围，徐徐上升，仿若游离的灵魂魅影，营造出诡谲神秘的气氛。《轮回》共5个版本，收藏者包括龙美术馆、弗朗索瓦•皮诺（Pinault）和Frank Cohen等国际重要机构及藏家，足见该作收藏价值之高。

　　Lot 1586

　　崔洁火柴小姐（一组二十五件）

　　2008 年

　　布面油画

　　40×40 cm。×25

　　崔洁从中国美术学院油画系毕业后的早期作品中，一直在证明各色历史与社会事件中视觉的不可靠性。如《火柴小姐》所展现的，一幅完整的图像被分割成25个零落的碎片，如同信息时代淹没在碎片化信息中的人，艺术家在形式和内容之间寻求平衡的过程中，真正真实的只有图像背后的动机。

　　Lot 1594

　　鞠婷无题020817

　　2017年

　　木板丙烯

　　124×104.5 cm

　　展出：

　　“洋葱”，2017年4月16日至5月28日，OCAT西安美术馆，西安

　　手工、物质与空间，是鞠婷绘画的重要特性，这使得她的作品很难被界定：既是画的过程，也是塑的过程。《无题020817》由大面积粉、黄、绿色构成，凸显女性细腻柔和之美。画家在颜料未干时，捏、刻、划出多种造型，表层粉色与底层绿色间是中空，颜料延伸出木板下沿呈下坠之势。整件作品用色彩模仿物体质地本身，真正实现了“色彩就是物体”。

　　Lot 1607

　　张钊瀛泰坦之宴（三联画）

　　2013年

　　布面油画

　　190×120 cm。×3

　　说明：

　　此作品获“思无界”—2014艺术院校大学生年度提名展的尚扬冠名奖

　　展出：

　　“学院新艺术方力钧，庞茂琨，苏新平推荐展”，2014年，罗湖美术馆，北京

　　“思无界2014大学生提名奖—尚扬冠名奖”，2014年，今日美术馆，北京

　　“创客创客第二届CAFAM未来展”，2015年，中央美术学院美术馆，北京

　　“泰坦之宴•张钊瀛个人项目”，2015年，EGG画廊，北京

　　“未知的未来—河北国际视觉艺术实验展”，2017年，食草堂NIU艺术空间，石家庄

　　“封存”，2017年，iSGO画廊，上海

　　“似•不似”，2018年6月1日至8月1日，iSGO画廊，北京

　　“新艺术史：2000—2018年中国当代艺术”，2019年3月10日至5月22日，银川美术馆，银川

　　《泰坦之宴》是张钊瀛的成名作之一，曾获2014艺术院校大学生年度提名展的尚扬冠名奖。艺术家以极具舞台感的恢弘三联屏，描绘了欧洲文艺复兴时期小人国抓拿巨人“泰坦”的故事，晚宴中人被当作食物的各种残忍举动，投射出现实社会中的生存现象，浓厚异域色彩的表象下暗藏悲悯。

　　Lot 1741

　　王音池塘生春草Ⅰ

　　2008年

　　布面油画

　　180×301 cm

　　发表：

　　《王音》，伊比利亚当代艺术中心，东八时区书店，北京，2009年，第109页

　　展出：

　　“王音2009”，2009年9月29日-11月22日，伊比利亚当代艺术中心，北京

　　新世纪以来，王音将目光投向“20世纪中国油画史”，并将其作为创作的动因和题材，《池塘生春草Ⅰ》中王音描绘的并不是一个真实的场景，而是来自他的认知、想象和虚构。画面描绘的是一位老画家坐在山间溪边写生的一个场景。这是一片山明水秀的风景，四周郁郁葱葱，生意盎然，仿若世外桃源。画面的构图颇具匠心，整个画面被前景中的两根树杆粗暴地分成两个部分。它提醒我们，树杆“后面”--即画前 --躲着的正是画家和观众，毋宁说此处画家和观众所采用的即是一个远观或“偷窥”的视角。也可以说，它是有意地制造了某种心理距离。不仅如此，而且这个距离是双重的，它既体现在画前的画家或观者与远处写生的场景之间，也体现在远处写生画家与模特之间。像曾深刻影响他的戏剧理论家格洛托夫斯基（Jerzy Grotow- ski）所谓的“质朴戏剧”一样，剥除一切修饰，只保留最基本要素的艺术形式，以制造某种心理距离与“陌生感”。它也并非是绝对客观或纯粹对象化的，而是基于个人的情感，创作就是一个个人情感与客观知识持续拉锯的过程。《池塘生春草Ⅰ》不仅是一幅关于写生场景的描绘，它更是对于一段写生史或绘画史的考察，是王音关于20世纪中国油画写生史片段的捕捉和重构。

　　Lot 1753

　　欧阳春璀璨 NO.1

　　2005年

　　布面油画

　　220×280 cm

　　发表：

　　《坏孩子的天空》，星空间，2005年出版，第48页

　　《璀璨欧阳春》，星空间，2006年出版，第93页

　　《70后艺术的十个个案》，中国经济出版社出版，2010年出版，第159页

　　《中国当代艺术三十年》，文化艺术出版社，民生现代美术馆，2010年4月，第516页

　　《PAINTING THE KING》，Fluid Editions&time zone8，2011年出版，第49页

　　《中国新锐绘画奖10周年邀请展》画册，Hi艺术中心，2014年出版，第10页

　　展出：

　　“坏孩子的天空—七零后出生的问题青年”，2005年，星空间，北京

　　“璀璨—欧阳春个人作品展”，2006年，星空间，北京

　　“中国新锐绘画奖10周年邀请展”，2014年，Hi艺术中心，北京

　　创作于2005年的《璀璨No.1》，是欧阳春艺术生涯早期极具代表性的佳作，也是该系列首幅。该作广纳了欧阳春初到北京后绘画的所有表征：浓烈厚重的稠状颜料、疾驰的笔触、磅礴的表达风格和明亮的色彩，同时流露出一种浑然天成的烂漫。在继承了早期涂鸦风格的同时，又实现了荒诞与黑色幽默的精彩演绎，丝毫没有矫揉造作之态。

　　Lot 1754

　　欧阳春纯洁

　　2010年

　　布面油画

　　150×205 cm

　　发表：

　　《孩童》，今日美术馆出版社，香港，2012年，第104页至105页

　　展出：

　　“孩童—欧阳春个展”，2012年9月15日至29日，今日美术馆，北京

　　《纯洁》创作于2011年，属于欧阳春主题式绘画时期。欧阳春尝试以绘画承载自己观看世界的经验，并在不同维度中转化为自言自语的个人观察与感受。自2002年来到北京后，欧阳春每隔几年都会以不用的视角描绘雪景，他笔下的冬天慢慢从孤独的雪人、雪地变成生机勃勃的雪仗嬉戏，这也映射了艺术家在北京一步步实现个人奋斗的心境转变。而作为“冬天”这个主题的总结，《纯洁》以大广角将艺术家此前的所有冬景元素尽收其中，谱写了一曲极度喧哗又纯真“雪地欢乐颂”。

　　Lot 1755

　　欧阳春教室

　　2011年

　　布面油画

　　190.5×150 cm

　　在《教室》中，欧阳春将单纯童年时光的记忆视作对复杂多变的现实生活的精神慰藉，像是儿童画般的信手涂鸦：自由的构图、浓烈的颜色、厚重的油画与朴拙的笔触，流露出一种浑然天成的纯真，甚至诗性的魅力。通过带有稚拙涂鸦的方式，欧阳春将包罗万象的信息图像处理成简化、穿插、叠加的复数般排列，呈现的语境具有美丽的混杂，矩阵的张力。因此在欧阳春的图式结构中，碎片之间有着一种纪实与虚构重构的视觉效果，提供了一种直观而又别具一格的视角，促成了观者与作者之间超越现实的相互追问与对话。

　　Lot 1563

　　欧阳春蜂箱

　　2005 年

　　成品布丙烯

　　200×300 cm

　　发表：

　　《璀璨：欧阳春》，星空间，北京，2006，图版第41页

　　展出：

　　《璀璨：欧阳春》，2006年12月至2007年1月，星空间，北京

　　Lot 1756

　　高瑀飞越黄昏眼泪的桥

　　2006年

　　布面丙烯

　　200×298 cm

　　创作于2006年的《飞跃黄昏眼泪的桥》是带着高瑀式“戏剧性”的典型作品，同时也是渗透到许多80后成长过程中的视觉史。画中四个熊猫形象化身为“神奇四侠”，跨越闪烁着星光的浪漫彩虹桥，朝着东方疾驰而去。熊猫、彩虹、祥云、星星这些元素在他后面创作的“会唱歌的星星”系列作品也有出现，高于用熊猫的一次次奇幻冒险则编织起一个介于过去与未来，现实与幻想间的美妙世界。艺术家用最直观的色彩和图式，戏谑地表达出他对自己当下处境的感受和体验。

　　Lot 1757

　　秦琦无题

　　2014年

　　布面油画

　　280×361 cm

　　展出：

　　“秦琦”，2014年11月8日至2014年12月30日，站台中国当代艺术机构，北京

　　2014年秦琦开始将以个人化的认知与理解在画面上进行自由的组合，完成了一批被称为“新历史风情画”的个人性创作，2014年的《无题》即是这一阶段的代表。画面主要由三大部分组成，土黄及棕色构成的鱼鳞云铺满画面上部、穿插绵连的青绿群山和白色佛塔，以及画面中心各赋造型的三个骑马喇嘛，无论人马还是景物都分量十足且动势相连，丰满的构图进一步强化了情境的戏剧性，非凡而奇异。画面的主角——红色僧衣凸显其职业特色并使人物形象从背景中独立出来，被赋予诸多价值指向和观念象征的“喇嘛”和“马”的组合，回旋顾盼、悦然乐道、蓄势待发，不同的情状挑动了复杂的观看体验。

　　Lot 1582

　　秦琦就

　　2005年

　　布面油画

　　190×143 cm

　　发表：

　　《永池—秦琦作品》，北京现在画廊，北京，2005年，第32页至第33页

　　《秦琦作品：椅子也可以救人》，文化艺术出版社，北京，2010年，图版第48

　　《油画艺术》2017年第一期，广西美术出版社，南宁，第18页

　　展出：

　　“永池—秦琦作品展”，2005年12月2日至21日，北京现在画廊，北京

　　对于出身以造型著称的鲁美的秦琦而言，照片式写实是一种熟练到堪称懒惰或放纵的方法，但纯视觉创作的专注和深入是消解他愈发紧张的意义枷锁的最好办法，也是回到源头重新出发的关键。2005年创作的《就》，作为早期人物题材的成熟精品除了让我们看到造型技法的纯熟，更重要的是，秦琦由此开启的图像实验和方法革新影响极深，沿用至今。作为他实验转向期间的重要人物创作，同时也是新阶段新方法的起点，这件作品不仅参加了2005年的首次个展，也著录在他的第一本个人画册以及评论报道当中，重要性可见一斑。

　　Lot 1760

　　马轲成语故事

　　2007年

　　布面油画

　　200×150 cm

　　发表：

　　《马轲—独立与寂静的话语》，河北教育出版社，石家庄，2006年，第39页

　　《马轲》，三远当代艺术中心，北京，2021年，第75页

　　展出：

　　“窟窿—马轲的绘画”，2021年4月29日至6月27日，上海民生现代美术馆，上海

　　强大的绘画能力和思辨能力，让从马轲的绘画如同一个熔炉，融合了巨大的能量，从中能看到秩序、规范、愤怒或者生命力……。其根植于近百年的美术史巨变，将从不同时间、角度观察到的信息挤压、叠加在绘画的平面空间内，以强烈的色彩对比和阴暗的基调制造出一个蕴含着危机与伤痕的神秘国度，又暗藏了对现实世界的隐喻和象征。在2007年的《成语故事》中，作为画面主体存在的三个人物，提炼了僵持与猜忌等复杂情绪：中心的女人惊恐而麻木指着自己左腿黑洞，右侧男人狼狈地拉着裤链，左侧男子笑容诡异，拿着一叠东西正急步离开，一切家具、玩具、人物都被零散而怪异的氛围包围。

　　Lot 1761

　　马轲观渔

　　2006年

　　布面油画

　　120×210 cm

　　马轲借用清代文学家梅曾亮的同名散文，在2006年的《观渔》中描述了一个“宿命难逃”的场景：色彩各异，强弱不一的鱼儿奋力跳出渔网，它们逃避被捕食的求生欲之强，甚至足以飞到空中。但这一切在下方被红、黄耀眼色彩勾勒出渔人看来却只是徒劳，窒息的深色背景如同命运早已紧紧扼住每一条鱼。渔人不关心任何鱼的命运，因为池塘中的它们无处可逃；但同样身处宿命中的渔人，甚至观者又何尝不是如此。《观渔》很好地表达了马轲对人类的疑惧和麻木，其中包含了他视觉词典中的熟悉元素：一个笨拙迟钝的人物形象，深蓝如玄、暗藏死亡危机的背景夜幕，以及满天飞舞鲜活耀眼的鱼。画中红、黄、黑的视觉张力强烈，象征了挣脱与禁锢两种内斗力量的对峙、僵持，这样的暴力让人想到培根那些承受着空间压迫，和因此扭曲与溃散的人的身体，这种处理也是马轲这一时期中具有标志性的个人签名。

　　Lot 1568

　　李继开休息的人和蘑菇

　　2021年

　　布面丙烯

　　145.5×200 cm

　　展出：

　　“镀银的夜行者—李继开个展”，2021年6月17日至7月22日，玉兰堂，北京

　　“艺览北京—中国风景”，2021年6月9日至6月13日，北京展览馆，北京

　　在李继开的作品中常常呈现出一种孤独的情绪，忧郁的男孩垂头沉默，雨后生长的蘑菇在画面中占据了主要的部分，像是对男孩的陪伴，也像是他的保护伞，是顽强的也是脆弱的，在画面的感伤之中是一种内在的纯真。他曾描述过一个梦境，“我一个人在黑夜里的平原里行走，荒凉的地平线上慢慢地面对走来一个路人……这个路人竟然有一张自己可以认识的熟悉面孔……这个路人的面孔，一幅小孩模样，且我们各自都是面目不清的疲倦”。这个喜欢冥想又长不大的男孩是他自我的写照，是他画面中一直坚持的形象。除了绘画，他还写作，在他的诗歌、散文和绘画中，尽是他感性的内心独白，以及对时光流逝与人生彼岸的思考与追问。

　　Lot 1570

　　李青栖雪图（一组两件）

　　2005 年

　　布面油画

　　49.5×120 cm×2

　　李青在《栖雪图》中通过略显冷漠的图像及身体构建，提示人们重新审视图像背后的时间，揭示当代中国现实的变迁与日常生活的多重隐喻，奠定了其绘画艺术的基本语言，充分展示出当代年轻艺术家在个人观念与主题之间的深度思考。

　　Lot 1576

　　闫冰摇曳的绿色

　　2017 至2019 年

　　布面油画

　　60×82 cm

　　在闫冰的作品中是对最朴素之物的动人刻画，最熟悉的常见的土豆或树木，在他的笔下充满了亲切、温暖和善良的气质，这源自于他的生活经验。在西北出生和长大，19岁才来到北京，城市的生活带来的焦虑和不安在之后被西北地区的纯粹的情感化解，土地的生机勃勃反而呈现着最普世的情感。在《摇曳的绿色》中，耐旱的柏树被抽象放大，赋予一种庄严的仪式感，渗透着生命最原始的枯萎及绽放。他的静物画常常被强烈的感性直觉驱动，这种自然的力量既是朴实的也是最直接的，温和而感人的植物让人感受到人性的温度。他曾说，“我只是寄居在城市...然而我在这种临时状态里生活了这么多年甚至必将在这种临时状态里度过一生...”而这也是很多人的状态，用其后的一生去回望原始的坦白的情感，并且努力在当下的生活里自洽。