水墨画作为中国传统绘画的代名词，
具有地域性特征，
工具材料或是一个画种的标志。
水墨画就是代表中国的、使用宣纸、毛笔、墨汁来作为绘画材料的一种绘画形式，
名称具有独立性和标志意义。
有别于日本画、油画或版画，
是独立于世界绘画领域、地域性，
文化属性极强的绘画品种，
以至于英语里没有水墨画专有名词。
诸如：毛笔、宣纸、墨汁等等名词，
可见它是太独特了。
独特的东方文化、中国文化。

　　一个画家一生把水墨画作为基本绘画方式进行创作，
有从初期向成熟过渡，
或称延伸，
是在时间上的延续，
在水墨艺术语言上多年求索，
直至出成就。
这种时间上的程序，
其实是艺术曲折之路，
向高峰艰难攀登的足迹。
如果称为“延伸”的话，
是艺术家创作过程的一个称谓。
其实“水墨延伸”是指这一层意思，
是画家苦苦探寻，
上下求索过程的一个时间性的说法。
“水墨延伸”作为一个展览的名称，
延续了多年，
举办多次展览，
其实是一群自由散漫的画家有了共同的“理想”，
在创作上有相同的艺术抱负，
在人性上有相似的“毛病”，
做为还谈得来的这么一些人，
企图在水墨画艺术创作上能有一点贡献，
给我们这么深厚的水墨画长河里添一点色彩，
可能就有这简单的愿望。
办展览总要有名字，
拿来“水墨延伸”做名称，
也是这些人没动脑筋取来就用。
办展览多年，
到也出现一个品牌。
成为这一时期中国画坛上有影响的学术群体，
其实也没有什么意思。
现在有很多展览，
称呼也很多，
大家都有共同愿望，
还是促进现代水墨画的繁荣，
共同推动水墨画事业向前发展，
把水墨画这门传统艺术在我们这一代人手中延续下去，
如果有这么一点作用，
那么“水墨延伸”就有贡献，
就有成绩。

　　水墨画本身有极其强烈的特点，
是它的“绘画性”，
古人称为“画意”，
“写意”。
传统水墨画强调用笔、用墨，
创作出的作品就有极强的“画意”、手感的画意。
现代人强调绘画性就有这些内容，
并增加现代视觉艺术规律相关的内容，
诸如：视觉艺术形式、语言，
视觉上的规律。
使之成为一门适应现代社会、人们欣赏的，
需要的，
具有现代审美趣味的绘画品种。

　　绘画是用笔墨来塑造的“骨气形似，
皆本于立意而归乎用笔”，
画的过程实际上是用笔的过程，
作品就具有了“绘画性”的意义——画意。
水墨画尤其注重“画意”，
“画意”就被今天人们演绎成“绘画性”。
传统水墨画注重如何用笔去画，
用笔用墨的讲究颇多，
形成了水墨画区别于其他画种的极其鲜明的艺术特色。

　　用笔的修炼成为水墨画家必须具备的重要研究内容，
因此，
水墨画的用笔在古代人那里形成理论，
自唐代至清代至现代可以说是浩如烟海，
各朝各代大家都有独特的见解。
五代荆浩谓“凡笔有四势：谓筋、肉、骨、气。
”清邹一桂《小山画谱》中日笔法：“意在笔先，
胸有成竹；而后下笔。
则疾而有势，
增不得一笔，
亦少不得一笔，
笔笔是笔，
笔笔非笔，
具极自然。
”古代早就把用笔的要求提升到很高的境界，
超乎用笔本身。
以笔和墨塑造出水墨画追求的“意境”。

　　“意境”是水墨画追求的最高境界。
它通过绘画性的笔触、墨色得以实现。
“意境说”产生于宋代，
苏轼首先在诗词中提出“诗中意境”学说。
与此同时，
“意境”引入绘画，
渐渐地成为水墨画家营造画面的最高目标。
所谓“意境”，
是传统水墨画在审美上建立的理想，
这个审美理想既是抽象意义的，
又是历代画家孜孜以求的东西。
苏轼在阐述“意境”意义时说：“味摩诘之诗，
诗中有画；观摩诘之画，
画中有诗。
”在诗中营造画意在画中营造诗境，
“意境”寓于其中；像云岚飘渺，
氤氲朦胧。
摸不着的东西，
只是凭画家的意想插上想象的翅膀，
升华于形而上的一种虚境，
“超以象外，
得其环中。
”这种构成意境的塑造方式就是“绘画性”在起作用。
显然“绘画性”名词缘于现代人的体验。
其实它是和古代人所说的“意象性”“画意”是一个东西。
只是现代人用“绘画性”这个带有时代感的名词置换了古代人的概念，
我个人却是更喜欢这个词——“绘画性”。

　　传统水墨画充满了绘画性的笔触、墨色，
营造出绘画感的律动。
水墨画所追求的画意，
举凡雅致、高逸、浑厚、雄壮、优美、苍劲、神趣、秀美乃至气韵都是通过具有“绘画性”的笔墨表达跃然纸上。
我们从中体验出来的还是其绘画性的笔触在起作用。
水墨画构造出特殊的绘画性语言是世界任何一门画种所不能比拟的，
水墨画独立在世界画坛上，
也是五千年另文化发展出最成熟、最完善的艺术品种。

　　“绘画性”其实是水墨画的特点之一，
它强调用笔的表现性，
强调笔墨语言，
如果用“绘画性”去概括它的特点是最合适不过了，
笔墨有独特的表达方式，
不同于油画、版画或是音乐、舞蹈、戏剧，
它就是水墨画特定的艺术语言，
这种方言的绘画性使我们清楚地区别出它自己的音调，
如同汉语和日语，
有明显不同。

　　1998年，
我在日本讲学期间，
应邀云参观日本美术院年展“院展”，
其中给我最直接的感受就是现代日本画越画越缺少绘画性了，
转而追求制作性的精良。
陪同我参观的日本美术院理事也“院展”主持人之一的盐出英雄老先生请我谈谈观感，
我明确地提出了我的看法，
盐出老先生惊讶的同时，
同意我的观点，
他也有同样的忧虑。
现代日本年轻画家在刻意追求日本画的制作性，
强调制作感，
忽视绘画性的追求，
甚至丢掉笔意和画意，
最多、最复杂的是制作的工序，
强调的是技术性，
一张不大的画要经过二三个月复杂的制作才能完成。
岩彩材料的层层叠加，
技术之复杂，
视觉上的效果就是制作的精致，
形势上的追求也是体现在制作手法上。
丢掉了早期日本画所特有的绘画感和感动人的画风。
年轻的日本画画家追求的是制作精良和材料的质感，
忽视绘画艺术“绘画性”的运用，
这样强调制作性的结果会导致一个画种的衰败，
他们如此发展下去日本画往何处去？我耽心日本画的寿命。
相比较，
我们水墨画强调其绘画性的塑造，
是我们中国人的大指挥。
“绘画性”是水墨画的灵魂，
“绘画性”的不懈追求导致水墨画健康发展下去，
也是中国水墨画有持久、旺盛的生命力所在。
我们抓住了绘画艺术的根本?——“绘画性”。
绘画性的追求永无止境，
它将随着时代的发展有不同的审美要求，
它伴着水墨画随着时间的推移发展下去。

　　“绘画性”是一张画的灵魂，
成功的大师们的作品充满着独具个性的绘画性语言，
石涛、八大、黄宾虹、齐白石、李可染、潘天寿等大师们的作品的绘画性是其它任何时代、任何人不能替代的。
水墨画的绘画性丰富多变，
每个画家都有自己独具特色的“绘画性”语言。
今天，
我强调“绘画性”的提出，
是基于水墨画的笔法、墨法中深厚的传统，
提出了蕴含在传统中一个根本问题，
只不过与古代人说法不一样，
其实是一个内容，
就是水墨画的灵魂——“绘画性”。

　　“绘画性”排斥“描写性”。
就是画一张写生，
也要带有“创造”的意识去对待，
反对对着对象描摹、描写。
不带任何想法的描写是被动的，
也是美术学院国画人物教学中存在着的一个问题，
就是写生与创作脱节，
学生写生课完成得挺好，
一到创作课就不会画画了，
究其原因，
在基础训练中缺乏对“绘画性”和“创造性”的研究，
没有强调“绘画性”在基本功训练中的重要性。
如果在基本功训练中加强“绘画性”的指导，
训练学生一开始就具有创造意识、画面感，
那么，
今后他们画什么画都会自学地运用“绘画性”的艺术语言规律去表达，
并运用它去进行创作。

　　“绘画性”并不排斥制作性，
制作性的技巧实际上是丰富画面语言，
开拓表现性领域，
拓展表现手法，
始终要服从绘画性的要求，
是发展的需要。
如果像现代日本画走的路，
其结果就大谬不然了。
也不是我们水墨画的目的。

　　“绘画性”在现代水墨画上提出，
是现代艺术规律对水墨画的要求，
在21世纪，
水墨画面临新的挑战，
需要建立新的与时代相适应的审美理想，
并丰富和发展“绘画性”艺术语言，
作为跨世纪的中国画家要面对这个带有时代感和时间性的学术问题。
“绘画性”的追求，
无疑是对水墨画艺术表现语言追求的升华，
现代水墨画在“绘画性”原则指导下必然会迈向一个新台阶。